Cuando los muros nos dicen algo

El Manifiesto situacionista de Guy Debord en los años sesenta incitaba a los artistas a salir a la calle y disparar al azar, pero es al final de los setenta más allá de ser una práctica callejera, el graffiti terminó por ser la herramienta mas poderosa para entender la ciudad y sus conflictos.

Las calles se han convertido en el espacio de demandas y conflictos en diferentes ciudades del mundo desde Hong Kong a Caracas, de Santiago de Chile a París o Barcelona. Y, es precisamente a través de los espacios de las protestas y de movilizaciones ciudadanas, se puede leer y apreciar un paisaje urbano que narra, recalifica y aporta significados tanto en lo individual como en lo colectivo de todo aquello que está sucediendo o que está afectando a cada una de estas ciudades.

A pesar de la indignación ante a algunas medidas de los gobiernos, cada una de estas ciudades en conflictos tiene su sello, las protestas urbanas no debe generalizarse, ni agruparse en un mismo saco, no es igual lo que sucede en Hong Kong, a los que sucede en Berlín. Tal es el caso de artista Tsang Tsou Choi caligrafo  que trasladó su protesta y reivindicación personal a las calle para finalmente terminar siendo el símbolo de Hong Kong. De todos modos, en todas y cada una de ellas, hay un fenómeno que se mantiene como una constante: los mensajes que aparecen en la esfera pública. En este sentido, es interesante la recurrencia a la lectura de la ciudad a través de los mensajes en los muros y paredes, ya sean graffitis u otras manifestaciones artísticas.

Tsang Tsou Choi

Para muchos, el graffiti es entendido como una práctica marginal, debido principalmente a su condición de clandestinidad, ilegalidad y anonimato donde se encuentra sumido. aunque también es una forma para entender y descifrar determinados momentos de la historia sociopolítica de las ciudades. De este modo, los mensajes escritos en muros y paredes explican situaciones concretas que ayudan a entender determinados grupos, y forman parte de la cotidianidad que nutre el paisaje urbano. Así, el graffiti podemos entenderlo como medio artístico espontáneo e inmediato con la carga vital que subyace en la historia de las urbes. 

También se asocia su carácter marginal por las características del espacio donde se emplea es decir lugar. Muchos hablan de la apropiación de los espacios residuales y las fisuras de la trama urbana para emplazar “territorios del graffiti”. Pero, cabe destacar que los últimos acontecimientos que han sucedido, por ejemplo, en la ciudad de París son una muestra clara de que el grafiti está directamente relacionado a los eventos sociales, políticos, económicos y culturales de esa ciudad. El graffiti como muchas otras manifestaciones artísticas está estrechamente ligado al desarrollo urbano, crea nuevos territorios y se manifiesta a través de distintas tipologías, mensajes y actitudes.

Centrándonos en lo sucedido en París con los chalecos amarillos o en el independismo en la ciudad de Barcelona  o la primavera valenciana, las movilizaciones masivas buscaron crear un nuevo ‘momentum’ pero, a la vez, en estas marchas pacíficas se sumaron otros movimientos como el antisistema y el anticapitalista que se pudieron apreciar a través de las pintadas que han ido apareciendo en distintos muros y mobiliario urbano de la ciudad. De la misma manera, encontramos mensajes que exigían diálogo, respeto, paz,  eliminación de leyes y fronteras sociales, así como también simbología fascista.

La calle es un cauce de expresión donde nacen, confluyen y conviven infinidad de mensajes y expresiones que narran una realidad o un estado de ánimo desde el planeamiento de nuevas estrategias comunicativas. La calle nunca será ni debe ser neutral, sino que debe seguir conservándose como un espacio combativo, pero también de un diálogo constante entre distintos, como espacio de confrontación y de encuentro. La calle, entonces, debe también ser entendida como el soporte más inmediato para exponer y narrar ideas, visiones, ideologías y descontento social.

El graffiti, a pesar de su carácter efímero y temporal, recalifica las paredes como portadoras de la narrativa de la ciudad; es decir, los muros son los nuevos espacios de expresión que sostiene la historia, la ideología e identidad de la distintas ciudades, ademas de ser el portador y enriquecedor del diálogo social. De ahí, que muchos sostengan que los muros dicen lo que la sociedad calla. Definitivamente, hemos aprendido y seguiremos aprendiendo mucho a través de los que nos dice los muros de las ciudades.

Nueva York aprobó otorgarle 6,7 millones de dólares en indemnización a 21 artistas urbanos

El caso es, que la Corte de Apelaciones del 2do Distrito concluyó que un juez estaba en lo correcto al cobrar los daños y perjuicios a los desarrolladores inmobiliarios que destruyeron las obras en 2013. La corte de apelaciones dijo que la acción violó la ley de Derechos de Artistas Visuales de 1990, que protege el arte que ha cobrado reconocimiento con el tiempo.

El lugar donde se encontraban estos graffitis, estaba en el barrio de The Long Island City, en el distrito de Queens, conocido como 5Pointz, convertido en una atracción turística que atrajo a miles de visitantes diariamente y sirvió como fondo para la película de 2013, “Now You See Me” (“Los ilusionistas: Nada es lo que parece”). También llegó a él una gira de cantante Usher.

La decisión señala que el artista callejero Banksy ha figurado en la lista de Time de las 100 personas más influyentes junto al presidente Barack Obama y el ex fundador de Apple Inc. Steve Jobs.

“Una pintura de Banksy en 5Pointz habría tenido reconocimiento, incluso si fuera temporal”, dijo la corte.Una larga espera llega a su fin y crea un bonito precedente ante la mal entendida historia del arte urbano, la corte de apelaciones en Nueva York aprobó otorgarle 6,7 millones de dólares en indemnización a 21 artistas de graffiti de Estados Unidos, Australia, Japón, Brasil y Colombia, cuyas intervenciones hicieron famoso a un sitio abandonado que atraía a miles de visitantes diariamente. Este viejo edificio y sus pinturas fueron destruidos en 2013, para darle paso a unas residencias de lujo.

 Una larga espera llega a su fin y crea un bonito precedente ante la mal entendida historia del arte urbano, la corte de apelaciones en Nueva York aprobó otorgarle 6,7 millones de dólares en indemnización a 21 artistas de graffiti de Estados Unidos, Australia, Japón, Brasil y Colombia, cuyas intervenciones hicieron famoso a un sitio abandonado que atraía a miles de visitantes diariamente. Este viejo edificio y sus pinturas fueron destruidos en 2013, para darle paso a unas residencias de lujo.

Desde 2002, las paredes en 5Pointz habían sido la base para unas 10.000 obras de arte, lo que a simple vista hacía de esta edificación un espacio con mucho ruido visual. Algunas eran temporales y fueron sobre pintadas con el permiso de los artistas.

En 2013, los desarrolladores que buscaban capitalizar el renacimiento del barrio y fijaron sus ojos en esta edificación, una vez plagado por el crimen y el tráfico de droga, pero los artistas urbanos ya habían puesto su ojos en él, haciendo de esta edificación una inusual atracción turística. 

En un comunicado el abogado Eric Baum dijo que los artistas “están agradecidos y conmovidos por el fallo”. El abogado indicó que el fallo fue un “claro indicador de que la obra de estos artistas es importante y debe ser respetada”. Marie Cecile Flageul, una curadora que trabajó con los 21 artistas que se repartirán la indemnización, dijo que el fallo de la corte de apelación demostró lo mucho que ha avanzado el graffiti de la década de 1970 cuando surgió y era usado muchas veces como una forma de protesta. “Ahora es una forma reconocida de arte que es coleccionada, adquirida y presentada en museos y galerías en el mundo”, dijo.

La abogada agregó que las constructoras de ciudades como Nueva York, París y Londres buscan la manera de preservar el graffiti. Flageul dijo que los artistas en el caso provienen de Estados Unidos, Australia, Japón, Brasil y Colombia.

Banksy mezcla violencia e inocencia en grafiti de San Valentín

LONDRES, 13 feb (Reuters) - El artista callejero británico Bansky habría dado un regalo de San Valentín a su ciudad natal de Bristol, en el oeste de Inglaterra, con la aparición de un nuevo mural que muestra a una niña pequeña con una resortera y una mancha de flores rojas.

Bansky -cuya identidad se desconoce- no ha confirmado que la obra sea suya. El artista suele usar Instagram para adjudicarse la propiedad de sus trabajos, pero aún no lo ha hecho. Su representante no respondió a un pedido de confirmación de Reuters.

El grafiti muestra a una pequeña niña con una bufanda, hecha con stencil al costado de una casa en la zona de Barton Hill de Bristol, con pintura blanco y negro.

Con una mano sostiene una honda y tiene la otra detrás, como si acabara de lanzar un proyectil. Al final de la trayectoria de la resortera se ve una forma roja brillante como una mancha de sangre, hecha con hojas y flores de plástico.

La obra fue vista el jueves por la mañana, el día anterior a San Valentín.

El arte callejero de Bansky suele llamar la atención, al agregar elementos oscuros a escenas que de otra manera serían alegres.

En diciembre, el escurridizo artista destacó el tema de dormir mal con un mural que mostraba a dos renos voladores tirando de un hombre sin hogar en un trineo en un banco de la calle, en la ciudad de Birmingham, en el centro de Inglaterra.

tomado de Reuters

reporte de Elizabeth Howcroft

Entrevista a Saz Oner

Geoflotante

Si un día tropiezan con un colorido módulo geométrico que travieso levita sobre una pared  de la ciudad, no tengas dudas, que es un geoflotante de Saz Oner, con quien nos hemos reunido para  hacerles unas pocas preguntas para nuestro blog, desde luego, debemos agradecerle su generosa amistad como también sus diversa colaboraciones artísticas con Taller de Bicicletas. Saz Oner es un artista urbano profundamente vinculado a la ciudad de Caracas, más concretamente a Chacao donde es ampliamente conocido por los vecinos que habitan en ese municipio. por lo tanto, nos atrevemos a decir que  más que un artista es un bien de interés cultural del arte urbano caraqueño, ampliamente conocido por los trabajos realizados junto al artista FLIX. Finalmente lo que más se le agradece a este artistas urbano del abstracto geométrico es su tenacidad en regalarle tanto color a las calles de esta ciudad.

Intervencion en Chacao.

1.-cuéntanos cuánto tiempo llevas formando parte de la ecología del arte urbano caraqueño?.

SO.- Son como,12 años.

2.- qué diferencia encuentras entre el mundo callejero y el galerístico?

SO.- La galería es más formal,  llega a un público específico, genera otro enfoque y nuevas exigencias. La calle por su parte es un lugar más relajado, el espectro del público que puede apreciar tu obra es mucho más amplio, la calle se rige por otros códigos que generan a mi parecer distintos enfoques pero sin dejar nunca un lenguaje característico. 

3.- Caracas contaba con muchos artistas urbanos, pero han emigrado, qué opinas al respeto, el arte urbano caraqueño está desolado?

SO.-.Creo que la realidad como artistas es muy personal no creo que haya un consenso en cuanto al porqué un artista decide emigrar, considero de desde mi perspectiva que se llega a un punto en el que es necesario conocer y nutrirse de otros escenarios para que el trabajo se enriquezca .No creo que el arte urbano de Caracas esté completamente desolado, es obvio que no tiene el mismo ritmo que hace 10 años más o menos pero los pocos que quedan están haciéndose trabajo de calidad y los que están afuera del país están en constante evolución.

4.- Qué buscas y qué encuentras con tu murales?

SO.- Lo primero que intento es generar un cambio en la identidad de ese espacio que voy a intervenir, eso es lo que busco que todo ese conjuntos de elementos les permitan al observador una experiencia que de alguna manera expanda su realidad con respecto a dicho lugar, así cuando la obra no esté, recuerden que ese espacio existe y/o existió con cualidades estéticas específicas  

5.- el abstracto geométrico como arte urbano suele otorgarle una sensación de dinamismo al espacio, pero que tienes en mente cuando realizas un mural? 

SO.-  Pienso en lo que tengo que realizar las formas, darle los colores, otorgarle los ritmos y tensiones. Pero también me sumerjo en un proceso de introspección que me ayuda a analizar cosas de mi vida cotidiana que no tienen nada que ver con el arte

Intervención Calvario puertas abiertas, El Hatillo.

6.- Quienes son tus referencias, si es que los tienes? 

SO.- Alejandro Otero, Remi Rough, Frank Stella, Pablo Palazuelos, Mercedes Pardo  Boris Tellegen Nawer, Mateo Manaure  Martin Blaszko, Helio Oiticica, Lygia Clark, Geraldo de Barros, Lía Bermúdez  son algunos de esos artistas que me han servido de investigación.

Intervención kiosko, Las Mercedes.

Heavy Metal : la fantasía, el erotismo y la ciencia ficción que nutre nuestra cultura Pop

Fue una agradable sorpresa, ver la serie Love, Death & Robots (Amor, Muerte y Robots) la misma trata de una serie notable de relatos de ciencia ficción sobre amor, muerte y robots como su propio nombre indica, en su primer temporada esta serie cuentó con 18 episodios, fue estrenada el 15 de marzo de 2019 y fue producida por Joshua Donen, David Fincher, Jennifer Miller, y Tim Miller. Cada episodio es animado por un equipo diferente, es una antología animada original de Netflix clasificada +18 por su contenido violento explícito y escenas de sexo. Serie que sin dudas a los que tenemos más edad nos lleva directamente a una película de culto para muchos ilustradores como lo es Heavy Metal o Universo en Fantasía (como la titularon para el mundo hispano parlante) esta película fue una colaboración entre Canadá y Estados Unidos para realizar una película de animación para adultos en 1981, estuvo dirigida por Gerald Potterton y producida por Len Mogel e Ivan Reitman, quien también fue el editor de la revista Heavy Metal Magazine, que fue la base de la película. El guión fue escrito por Daniel Goldberg y Len Blum la película cuenta con 9 historias, originalmente eran 10. De esta película existe una secuela titulada Heavy Metal 2000 producida por CinéGroupe, estudio con sede en la ciudad canadiense de Montreal. También se realizó una secuela de ésta en forma de videojuego llamado Heavy Metal F.A.K.K.2.

Debemos agregar que el soundtrack de la película Heavy Metal también fue una joya, el album lanzado por Epic Records en formato de LP doble en 1981, pero que por razones legales no fue editada en CD hasta 1995. El álbum alcanzó el puesto número 12 en el Billboard y contó con artistas como Sammy Hagar, Devo, Blue Öyster Cult, Cheap Trick, Don Felder, Donald Fagen, Nazareth, Journey, Grand Funk Railroad, Black Sabbath, Trust, Stevie Nick entre otros.

Al igual que la revista la película Heavy metal es una antología de historias de ciencia ficción y fantasía adaptadas e historias originales con el mismo espíritu. Su producción se aceleró al tener varias casas de animación trabajando simultáneamente en diferentes segmentos. Además es una coproducción estadounidense y canadiense. En el caso de la serie Love, Death + Robots es una colección de dieciocho historias cortas animadas que van desde la ciencia ficción hasta la fantasía, el horror y la comedia. Cada episodio tiene una narrativa y animación diferente, la primera antología de cuentos animados proviene de la asociación entre David Fincher que ha trabajado en Netflix durante algunos años con House of Cards y Mindhunter, y Tim Miller, director de Deadpool y fundador de Blur Studio, que se especializa en Animación y efectos especiales esta serie que fue renovada para una segunda temporada, además de contar con la incorporación de Jennifer Yuh Nelson como parte del equipo de producción.

Heavy Metal es probablemente la revista de cómic más importantes de la industria norteamericana, incluso superando un tanto a la desaparecida revista M.A.D. que ya es  mucho decir, esto se debe a que la revista M.A.D. estaba fundamentalmente inmersa en la política y la cultura Pop americana, en cambio Heavy Metal, es una revista de historietas de fantasía con un carácter más universal. 

La publicación de HEAVY Metal comenzó en abril de 1977 y  poco a poco, fue calando en la cultura Pop del planeta. la Heavy Metal puedes adquirirla en cualquier Seven Eleven o tiendas especializada en cómics de los Estados Unidos, pero cada vez más las encuentras subastadas en las tantas ferias de comics o Comic.Com que se celebra en las principales ciudades del mundo y todo por su mezcla de fantasía oscura, ciencia ficción y erótica,  de algunos cómics definidos como “clásicos”, mientras que otros se consideran títulos influyentes e innovadores años antes de su tiempo, además, de estar realizados por los más célebres ilustradores. 

Es obligado indicar que esta revista es una deriva de la revista francesa de ciencia-fantasía llamada "Métal Hurlant" que se traduce literalmente como "Metal Aullante". Revista que se lanzó en enero de 1975 como el título insignia de Les Humanoïdes Associés, una editorial francesa creada por los veteranos del cómic Euro Moebius, Druillet y Jean-Pierre Dionnet, junto con su director financiero Bernard Farkas. Influenciados tanto por la escena cómics underground estadounidense de la década de 1960 como por los trastornos políticos y culturales de esa década, su objetivo era audaz y grandioso: iban a patear culos, tomar nombres y hacer que la gente se tomara los comics en serio. Cuando editor Leonard Mogel aprobó la versión estadounidense como una adaptación de la revista francesa, y eligió renombrarla como Heavy Metal y ésta, como una colorida publicación mensual. Inicialmente, mostraba traducciones de historias gráficas originalmente publicadas en Métal Hurlant, Incluyendo trabajos de genios de la ilustración  como Enki Bilal, Jean Giraud (también conocido como Moebius), Philippe Druillet, Milo Manara y Philippe Caza. En 1986 aparece Morbus Gravis una historieta erótica de ciencia ficción realizada por Paolo Eleuteri Serpieri, publicada originalmente en 1985. Esta historieta narra las aventuras de la heroína Druuna dispuesta a todo  para sobrevivir en una ciudad futurista y degradada, donde una terrible enfermedad acecha a la humanidad. La revista más tarde incluyó al amoral, incorrecto y ultra-violento RanXerox comic considerado ejemplo de cyberpunk que contaba con un guión de Stefano Tamburini y dibujado por Andrea  Pazienza y Tanino Liberatore, de este cómic encontramos algunas similitudes en la película de 1994 de Oliver Stones titulada  Asesino por naturaleza. 

Las ilustraciones de la revista Heavy Metal son notables y de alta calidad. Trabajos como los realizado por artistas de las bellas artes como H.R. Giger y Esteban Maroto han sido presentados en las tapas de varios números. La versión ilustrada de Terrance Lindall del poema épico paraíso perdido apareció en la revista en 1981 Fueron presentadas muchas historias de larga duración, incluidas las de Richard Corben, Pepe Moreno, Jose Mª Bea y Matt Howarth. El ilustrador Alex Ebel contribuyó con ilustraciones a lo largo de su carrera. Entre los redactores encontramos Lou Stathis quien continuó la tradición de enfocarse en figuras de la cultura popular para conectar a la revista al más amplio contexto cultural de moda. También hubo entrevistas con figuras tales como Roger Corman, Federico Fellini, John Sayles y John Waters. Comenzando con el invierno de 1986 Heavy Metal pasó a ser trimestral, continuando hasta marzo de 1989, cuando pasó a ser nuevamente bimestral. Simmons y Lynch permanecieron como editores hasta 1991 cuando el co-creador de Las tortugas ninjas,  Kevin Eastman adquirió la revista y se volvió editor y redactor de la misma.

Debemos destacar que la revista Heavy Metal suele codiciadas por ilustradores y diseñadores gráficos, pero también por los amantes del género y por coleccionistas de impresos. 

Es importante agregar una revista del cómic alternativo y que ahora forma parte de la cultura Pop española y de un nuevo culto por parte de todos los amantes de los cómics, esta es la desaparecida revista "El Víbora" que fue una revista de historietas española, de una periodicidad mensual y editada por La Cúpula, que comenzó a publicarse en diciembre de 1979 y que tristemente desapareció en enero de 2005, tras un total de 300 números y varios especiales la misma tenía como lema fue "Comix para supervivientes" y ciertamente ha sido la más longeva de todas las revistas del denominado boom del cómic adulto en España, sólo superada en años por el semanario El Jueves. También fue una de las más influyentes, al encauzar "por las vías comercial a los cómics alternativos, poniéndolos al alcance de todos".

Genialidad silenciada, víctima del olvido.

                                                Noche estrellada de Van gogh,MOMA.


Se ha dicho que Abby Aldrich Rockefeller una de las principales fundadoras del MOMA, tenía como principal objetivo crear un nuevo museo, con el fin de evitar tragedias como la sucedida al pionero del postimpresionismo, el holandés Vicent Van Gogh, quien se quitara la vida a sus 37 años sin vender una sola de sus hermosas pinturas, sobre todo, que no contó con ese aliento que produce el reconocimiento, en este caso, de genio.

La idea en esencia de la Sra Aldrich con este nuevo museo, era la de reducir los tiempos que distancian la creación de una obra y la aceptación de la misma por parte del público. Ciertamente, la distancia se han reducido desde aquel lejano 1930, todo gracias a la atenta eficacia del sistema de promoción y difusión de los museos de arte contemporáneo o los museos especializados, es por ello, que cada día más los jóvenes artistas llegan al gran público, desde luego, con sus aciertos y desacierto, pero eso si con mucho desparpajo vemos como estos jóvenes ingresan al mercado del arte, la pregunta esta, si realmente calan en ese gran público. Primeramente, Debemos entender que el mercado del arte es un gran artificio que ni los mismos museos pueden controlar, por lo tanto, formar parte del mercado no da reconocimiento, incluso, formar parte de la colección de un museo otorga reconocimiento, si tomamos en cuenta que un gran porcentaje de las obras adquiridas por estos museos de arte contemporáneo son almacenadas y no saldrán a la sala jamás, algo que inevitablemente las condenan a un obligado olvido.

Por lo anteriormente dicho, podemos encontrar en el arte urbano cierto triunfo, esto se debe que algunos artistas urbanos han logrado el reconocimiento positivo de un amplio público de la sociedad, y esto se debe en primer término, que los artistas urbanos han integrado su arte sin la necesidad de mediadores en la esfera de lo público, en segundo término que el mercado del arte ha sabido potenciar ese recurso plástico y cultural a su favor y en tercer término porque han hecho entender a las instituciones museísticas, que el arte urbano coloca al arte como un servicio público más que como un objeto de colección o de regodeo museístico, aunque estos últimos no se pueden descartar del todo, ya que podemos encontrar artistas como Jean Michel Basquiat o el mismo Banksy, que luego de mucha calle, pasaron a formar parte del mercado y del regodeo museístico. También podemos encontrar a artistas visuales como el francés Daniel Buren que cuando su propuesta fue rechazada por un salón de arte, en forma de protesta, decidió exponerla en los alrededores de la galería donde se celebraba este salón, obteniendo un inesperado reconocimiento que lo ha llevaron a ser uno de los más grandes artistas conceptuales y urbanos de este tiempo.

                                                         Intervención de Daniel Buren

Debemos finalmente concebir, que los museos al igual que la calle han positivado sus logros, y en su capacidad de evolución se han flexibilizado, arriesgando y comprometiéndose cada día con la cultura que genera nuestro devenir, concibiendo a su vez, que el artista no es su fin último, porque algunos más, algunos menos, ellos forman parte de la sociedad del espectáculo y el reconocimiento se lo dará esa sociedad primero y la historia después. Lo que es indudable, como dije anteriormente, es que los museos efectivamente han reducido distancia, pero aún no han llegado a proponer a la cultura como servicio público como lo ha hecho la calle, y que esos artistas promocionados por ellos como valores emergentes, luego de una exhibición suelen ver como su promesa pasa a descansar en un catálogo como un simple anecdotario museístico y sus obras son almacenadas tan solo para existir en un registro museológico, ejemplo de ellos los podemos encontrar por miles, pero son tan anónimos que no es posible recordarlos sin hacer un supremo esfuerzo, lo que nos lleva, irremediablemente, a repetir la triste tragedia  de Van Gogh.

10 preguntas sobre la cultura de los comics en Caracas.

Taller De Bicicletas se sumergió en el mundo secreto de los ilustradores en la cultura urbana ,para hacerles 10 preguntas, para ello, nos encontramos con el ilustrador Mauro Salmaso quien junto a su pareja, la diseñadora Esther Garcia trabajan en tándem y son los responsable de los encuentros de ilustradores al que han llamado "ZombiExquisito ,el cual son encuentros temáticos que de manera independiente convoca a ilustradores y todo aquel afecto a esta subcultura, allí encontramos a escritores, DJ, investigadores, artistas visuales y coleccionistas de comics, estos encuentros sirven para darle aliento, sobre todo visibilidad a esta subcultura que reside en los vulnerables refugios creativos de otras subculturas urbanas.

1- Conociendo que muchos ilustradores han nutrido al arte urbano, puede decirnos qué le proporciona a la cultura urbana los ilustradores?.

M: Podemos ver que a fines del milenio, y si acaso unos años antes, los ilustradores en los cómics han adoptado y  adaptado el estilo grafitti hip hop en los cómics comerciales. Pero desde hace mucho tiempo la estética de los comix en los fanzines punketos ya tenían la estética urbana en las viñetas y ni hablar del diseño completo del fanzine artesanal.

2- Sabemos que han realizado varios eventos a través de su proyecto Zombi Exquisito con la finalidad de reunir a todos ilustradores de Caracas ha tenido resultados?

M: Sí, sí ha tenido resultados muy positivos en reunir a los artistas, no creo que todos los artistas de Caracas pero si una buena parte y también de otros estados del país, y aunque ya muchos se han ido, siguen muy interesados en participar a distancia.

E: se buscaba con esas actividades crear encuentros entre los creadores que quedamos en Caracas y sus cercanías, y a nivel digital, también dar a conocer el trabajo de todos, tanto los que quedan en el país como los que migraron, por medio de exposiciones temáticas. Considero que sí, cumplieron su cometido, y se ha tratado de mantener esos contactos con actividades a nivel digital, realizando activaciones y retos de dibujo cada cierto tiempo, y esperamos poder retomar las reuniones y actividades en persona pronto.

3- Qué necesita esta ciudad para tener una efectiva cultura de los comics?

E: Esa ha sido siempre la gran pregunta dilema en Venezuela, más que la ciudad, es algo nacional, y ese tema, del cómic como cultura siempre ha sido un gran problema, porque, prácticamente, dicha cultura, no existe. Hay gente que le gusta lo comics, leerlos, y sí, crearlos, pero no hay: ni un mercado o un público amplio, constante y dispuesto a consumir el comic nacional, porque tampoco hay una producción constante de material.

M: Si, no es solamente en esta ciudad, a nivel nacional además de editoriales e imprentas dispuestas a atreverse con el tema del cómic criollo sobre cualquier tema y sin censura, a mi parecer el cómic de acá necesita personalidad, yo como realizador de comics reconozco que cuando era chamo quería hacer cosas similares a las que veía, pero me di cuenta a corto tiempo de que esa no era la vía que yo debía tomar, necesitaba hacer algo que no se hace aquí, algo que la gente pudiera identificar de inmediato mi trabajo, y si se trata de algún homenaje a algo, siempre es importante advertirlo. Es lo que les he sugerido a exponentes jóvenes, por ejemplo, identificar un manga como “mi estilo” eso no va, el manga ya está hecho, necesitas hacer algo totalmente tuyo, que la gente sepa identificar tu propio estilo amalgamado de muchas cosas que has conocido y practicado. El comic venezolano actual también necesita temas de vanguardia, fantasía, irreverente, social. Todos saben mi posición con los “súper héroes criollos” les guste o no, son refritos de capitanes américa, supermanes, mujeres maravilla, o aborígenes con súper poderes prestados de otros, son temas que a mi parecer no tendrá transcendencia si tampoco aportan algo interesante en la historia.

EXPO de ilustradores ZombiExquisito 2016,   Casa de la  cultura de El Hatillo.

4- En cuáles ilustradores nacionales y/o internacionales te has inspirado?

M: Nacionales:  Jesus Torrealba, David El Chino Tineo, Alexis Ziritt, Guillermo Cartay, DAM, Francisco Campos, Federico Cavero, Moisés Robertis. De los Internacionales: Simon Bisley, Kevin Eastman, Pepo, Jorge Lucas, Jhon Buscema, Todd McFarlane, Sean Todd, Basil Wolverton.

5 - Eres el creador de una ciudad apocalíptica llamada Yoraco, cuéntame en qué te basas?

M: Así como Condorito vive en Pelotillehue, Superman en Metrópolis, y todas las películas de Troma ocurren en Tromaville, yo cree Yoraco como sede oficial para todas mis historias. Yoraco se encuentra en una Venezuela distópica, está situada en todo el medio del país y allí ocurren las cosas más disparatadas, fantásticas y singulares. Su capital es Ciudad Yoraco un sitio atascado en los años 80s con elementos de la actualidad, nadie se entera pero en esta ciudad hay conciertos espectaculares con estrellas de la talla de Billy Idol, Iggy Pop, Def Leppard, Depeche Mode, y mucho mucho más  todos los años, es la envidia de Caracas. Realmente no es una ciudad apocalíptica pero si se presta muchas veces para distintas desgracias. La primera vez que indiqué la existencia del Estado Yoraco fue en un cómic corto que realicé llamado “Te Enviaré en Trozos al Averno” ahora estoy con mi proyecto más preciado llamado Son Vistos Como Zombis donde todo ocurre también en Yoraco y al terminar esto tengo muchas historias más que contar sobre ese lugar, con distintas temáticas universales dentro de Venezuela. Escogí este sitio para todas mis ocurrencias ya que Venezuela es tan morbosa y tan elocuente que es perfecto para todo lo grotesco que quiero mostrar con mis obras. Debo aclarar que Son Vistos Como Zombis y Yoraco no tiene absolutamente nada que ver con Zombiexquisito. La gente suele confundirse, no los culpo.

6-  Qué subculturas urbanas suele arropar al mundo de los comics?

E: Esto es como las películas o la literatura, es un universo de gustos que abarca a toda la sociedad, puedes ver gente de todos los estilos, edades y gustos como consumidores de hasta el mismo estilo de cómic. Más que hablar de subculturas y etiquetas, el cómic es más bien un punto de encuentro entre cualquier tipo de personas, y creo que eso es parte de su magia.

M: Los comics no excluyen ni discriminan a nadie. No tienen exclusividad. La niña más fresa le puede gustar comics de Lobo o Deadpool sin problemas. Y en cuanto a realizadores de este país, el que menos tú esperas tiene un guión bien elaborado buscando quien pueda pasarlo en ilustraciones, o ilustradores toderos (los que hacen la historia, guion, portada, edición) creando por debajo de la mesa sus obras para pronto dar la sorpresa.

7- Qué expectativas tienes en relación directa con la subcultura de los cómics en una ciudad como Caracas?

M: La mayoría de los lectores de cómics que he conocido son muy críticos, críticos a muerte. Y es que por supuesto, es más fácil destruir que crear. Por un lado destruyen a quienes humildemente realizan su obra y los que en algún proyecto serio y profesional siempre le buscan algún defecto para desprestigiarlo. No sé si es miedo a aceptar que aquí se puede hacer comics y que se puede lograr hacerlo.  Veo personas preocupadas porque no hay apoyo y son los primeros en no apoyar, veo colegas que regalan su talento por un costo muy miserable que no se merecen, están también los chicos que están renuentes a aceptar una crítica constructiva para que puedan desarrollar bien sus obras. No tenemos una solidez en colectivo, el cómic venezolano está renuente a morir pero es que todavía no termina de nacer.

ZombiExquisito 2018, Galería de Arte Nacional, Caracas.

                       

8- Sabemos que por la parte editorial  el comics ha sido dejado de lado, sin embargo qué alternativas les recomiendas a los ilustradores?

E: Sin duda alguna, el internet, y el poder de la globalización que se ha dado gracias a las redes sociales y el mundo digital que está al alcance de ya casi todos. Por medio de él no sólo puedes conocer trabajos y artistas que capaz jamás pisen estas tierras, sino que tienes el acceso a infinidad de material y contenido para crecer como artista, obtener feedback, mejorar tu trabajo, crear contactos y conexiones con otros, y publicar tus propios trabajos ya sea de modo independiente, de manera física o digital, o logrando ser fichado por editoriales. Eso sí, no es un trabajo fácil, ya que todo el peso cae sobre el artista, no solo el crear, sino mantener redes, buscar dichos contactos, tener un portafolio actualizado y darlo a conocer… y cada una de estas actividades, le restan tiempo a otras cosas, y llega a ser desgastante. Hay que establecer sus propios tiempos, prioridades y ser disciplinado con lo que se desea lograr, porque así como el internet y las redes sociales son tremendas herramientas, también son un gran foco de distracción.

M: Si el artista tiene la fuerza monetaria para crear fanzines, es una excelente opción, del resto es promocionarte por las redes sociales. Están las opciones como Amazon Kindle, Bubok , estas herramientas brindan su espacio para vender las obras y también trabajan como imprenta si el cliente lo desea. El cómic debe ser siempre físico, el cómic es un artilugio.

9- Qué reconocimiento les puede adjudicar al comic venezolano.

M: Ser persistente.

E: Que se resiste a morir. Hacer cómics en Venezuela siempre ha sido una apuesta arriesgada, porque acá todo lo que se logra en ese ámbito, tiene una vida muy corta, pero quienes aún viven de ello, han sabido buscar su propio nicho afuera: ya sea trabajando desde acá aprovechando el internet, o migrando y aprovechando su talento en otras tierras. Se sigue creando, aprendiendo, mejorando, a pesar del país, buscando cada día nuevas plataformas y espacios para darse a conocer.

10- Por último, darnos tus recomendaciones en películas, revistas o  páginas que nutra a los nuevos ilustradores.

E: Sin duda alguna, el cómic europeo es una fuente de la cual muchos se podrán nutrir, y romper el esquema de dibujar en un mismo estilo repetido como el manga o el cómic americano, y dar pie a encontrar su propio estilo y voz. Hay una variedad también increíble en las publicaciones independientes. Siempre es bueno conocer los clásicos, eso sí, pero también ir más allá. Ahora, hace muchos años que ya no llegan revistas de cómics, diseño o ilustración al país, pero hay sitios donde se puede conseguir material físico en Caracas por ejemplo: ferias de libros, ventas de antigüedades y cosas usadas, en la Biblioteca Los Palos Grandes hay varios títulos imperdibles también, y hay librerías que aún tienen material en precios accesibles. Ahora digital, son muchos los blogs que recopilan miles de títulos, para descargar gratuitamente en inglés y español, lo mismo que libros para aprender a dibujar, y canales en youtube con artistas que dan cientos de tips para mejorar las destrezas. En lo personal, recomiendo muchísimo el libro “Dibujar con el lado derecho del cerebro” de Betty Edwards, un libro con el cual se puede lograr la soltura y facilidad para dibujar tremenda, lo mismo que los clásicos de Will Eisner o Andrew Loomis.

M: Como a mí me gustan las cosas más grotescas Yo recomendaría películas del inicio de Sam Raimi, de Robert Rodríguez, de Peter Jackson. Los chicos de ahora que están incursionando en esto, les recomendaría que descargaran o compren revistas de la Heavy Metal, es otro universo más allá del manga, el animé y superhéroes. Averigüen de artistas europeos de la década de los 60, 70, y 80, vean series animadas de los 80s y 90s, estoy seguro que se consiguen cosas que les va a encantar. Adéntrense en el mundillo del “Comix” punk y trash norteamericano.

Bueno chicos,estuvieron bastante ilustrativos, muchas gracias por su tiempo.