El Zoo de Banksy

 

El artista urbano más reconocido del planeta sorprende con nuevas intervenciones en dias consecutivos.

 1era intervención

 El Zoo de Londres es como se ha denominado la nueva serie animal de este célebre artista urbano británico, quien en la década de 1990 comenzó a ser conocido cuando intervenía las paredes de la ciudad de Bristol, con el pasar de los años este artista se ha transformado en uno de los artivista más aclamados a nivel global.

 La última travesura de Banksy fue la de intervenir en días consecutivos varios espacios de la ciudad de Londres, las cuales para la delicia de sus seguidores han sido objeto de la libre interpretación de aquellos viandantes que se acercaron a admirar las creaciones de este artista. Algunos apuntan que se trata de la representación de la raza humana "al borde de la extinción", mientras, que otros se decantan por estimar que el artista británico pretende ilustrar la falta de privacidad en los espacios públicos, pero todos concluyen que nos ofrece un Zoo urbano para crear conciencia sobre la fragilidad de nuestro ecosistema.

 

 La última intervención de Banksy, fue realizada en el mes de junio de este año durante el festival de Glastonbury, donde lanzó en medio de la multitud un bote inflable lleno de muñecos que representaban a inmigrantes, algo que no presagiaba lo que ocurriría después, con la reciente ola de disturbios en contra la inmigración ilegal acaecidos en más de veinte ciudades del Reino Unido.

2da intervención.

 Las nuevas intervenciones de la serie animal de Banksy pintadas en Londres, comenzaron en el barrio de Kew Green, Richmond, la pieza retrata a una cabra parada sobre el conducto de una pared, como si estuviera a punto de perder el equilibrio. En la foto también se aprecia que el animal pareciera estar siendo vigilado por una cámara de seguridad, a esta intervención le siguió la de dos elefantes que asoman la cabeza y se miran mutuamente por ventanas tapiadas en un edificio del exclusivo barrio de Chelsea.

3ra intervención.

 Seguidamente, Banksy confirmaría la autoría de una tercera obra, ubicada en un puente de la estación de metro de Shoreditch Street, donde la silueta de tres monos que cuelgan de distintas maneras.

4ta intervención.

 La cuarta intervención es la de un lobo pintado en la superficie de una antena parabólica, que está sobre el tejado de un local en el barrio de Peckham. En este caso la obra fue robada por un grupo de encapuchados.

5ta intervención.

 La quinta de dos Pelicanos pescando los peces de cartel de la fachada de un local de venta de pescado en el barrio de Walthamstow, la sexta intervención es la de felino que se despereza en la superficie de una valla publicitaria en desuso en el barrio Cricklewood. El dueño de la valla desmanteló la obra poco después por motivos de seguridad y según la Policía, tiene previsto donarla a una galería de arte. La séptima es la intervención de una garita acristalada de la Policía, a la cual ha convertido en la pecera improvisada de un cardumen de pirañas.

8va intervención.

 Al octavo día, Banksy realizó su octava intervención tridimensional donde, según se mire representa a un rinoceronte copulando con un viejo Nissan Micra abandonado en la calle Westmoor del barrio de Charlton, al sureste de Londres.

9na intervención.

 La novena intervención por noveno día consecutivo, la figura de un gorila junto a la silueta de una foca, pintada sobre una persiana del zoológico de Londres. La directora de comunicación de la Sociedad Zoológica de Londres, Rebecca Blanchard, la calificó de "una sorpresa increíble", agregando "Sabemos que los animales, la vida silvestre, traen alegría a la gente. Mejoran la salud mental y física de las personas, el bienestar general mejora al estar rodeado de la naturaleza, y Banksy ha hecho eso en Londres".

6ta intervención.

 Banksy suele compartir a través de su cuenta de Instagram, las imágenes de sus intervenciones para dar a conocer que él es el autor. Esto desata la locura y magia urbana donde sus seguidores empiezan a tejer conjeturas sobre el lugar y el significado de cada intervención. Por ejemplo, en relación a la cabra muchos usuarios que siguen al artista, sugieren que podría representar que actualmente no hay ningún lugar donde realmente exista la privacidad. Mientras que en el caso de los elefantes las teorías apuntan a la expresión “elefante en la habitación”, que se traduce a esas obviedades que no se quiere discutir. Sobre los tres monos colgando, algunos lo traducen una severa crítica a las conductas caóticas que existen en la sociedad.

 En el caso del lobo, el cual fue robado, es en sí mismo, una sátira de la popularidad de artista que prefiere mantenerse como un artivista forajido que se vale del anonimato para depredar el espacio público para mostrar el carácter de su arte social urbano, su vez es depredado por el feroz sistema capitalista.

7ma intervención.

 Las obras de Banksy están muy bien cotizadas en el mercado del arte, su precio suele establecerse en millones de euros. por ese motivo, la cabra pintada en el muro de una empresa, será resguardada por la misma empresa, la cual aseguró no tener planes de retirar el dibujo de su pared, otorgándole un valor mínimo de 10.000 libras, por lo que desean catalogarlo como un activo y protegerlo con metacrilato.

Todo parece indicar que el Zoo de Banksy seguirá creciendo, y esta genialidad creativa se ha convertido en esas noticias felices que gratamente sorprende el espacio urbano Londinense.

Entrevista a Reymond Romero

 

 

El artista visual, curador, gestor cultural y buen amigo Reymond Romero, convino en concederle a  nuestro blog de arte urbano Taller de Bicicletas una agradable e ilustrada entrevista para comentarnos sobre su relación con el arte urbano, sus obras y sus proyectos curatoriales.

 

TDB. - El arte callejero, es una forma de expresión que floreció y se estableció en los rincones más inesperados de nuestras ciudades, como artista visual eres apreciado y están muy valoradas tus obras, ¿Qué te llevó abordar el espacio urbano?

RR.- Lo que me lleva a abordar el arte urbano precisamente es mi curiosidad por probar y practicar nuevas técnicas y formatos, nuevas maneras de expresión distintas a las que estoy acostumbrado.

Me gusta mucho la experimentación con distintos materiales y con distintos lenguajes dentro de las artes, es un reto para mí pasearme por distintas maneras de expresión plástica

 

TDB. – El mural “Flores de mi tierra” en la zona de Altamira, continúa cautivando a espectadores de toda la ciudad por su creatividad, colorido, belleza, también por su interés temático en la psicodelia, la saturación espacial con la repetición de los patrones que nos recuerda a las obras de Artista Pop japonesa Yayoi Kusama, ¿Hay un cambio de paradigma en la obra de Reymond Romero o es parte de mismo proceso?

 

RR.- No, no hay un cambio de paradigma, pues la base de todos mis proyectos es el arte textil, son los textiles, aunque el acabado final o la pieza presentada esté ejecutada en otros materiales ajenos a los textiles. Es decir. Las flores del mural de Altamira "Flores para mi tierra " son un conjunto de trabajos que surgieron del bordado, flores en pequeño formato que se tejían y bordaban en mi taller y con las que se hicieron composiciones y ensamblajes que terminaron en telas, tapetes si se quiere que luego servirían de boceto previo para dicho mural.

Y aunque sí conozco el trabajo de Yayoi Kusama y me inspira muchísimo, te quiero mencionar una que si me parece un gran referente para mí y para mi trabajo y es una diseñadora textil llamada Liubov Popova que tenía una marca que llevaba por nombre "marikko"

Aquí un ejemplo de los tapetes que hicimos en mi taller y que sirvieron de inspiración para el mural de Altamira.

 

TDB. – para un blog como el nuestro interesado en el arte y la ciudad, El mural “Flores de mi tierra” es un enorme aporte a la ciudad, tanto, que resulta ser una de las obras más impactante desde que salimos de encierro del COVID y retomamos con normalidad las calles. Lo que, sin dudas, demuestra que el arte urbano no solo embellece con exquisitez nuestros entornos urbanos, sino que también despierta conversaciones y reflexiones en una amplia gama de temas (sociales, políticos y culturales en los espacios urbanos). ¿Cuánto mide y que tiempo llevó y a cuántas personas tuviste que coordinar para lograr un mural tan vibrantes y llenos de vida?

RR.- El mural flores para mi tierra mide 1.200 metros cuadrados y se ejecutó en 5 semanas contando con la participación de aproximadamente 25 personas por turnos

 

 

TDB. – parafraseando a Walter Benjamin, filósofo alemán en los años 30 dijo; “La calle se manifiesta como un lugar privilegiado de la iluminación profana”. Lo que podía interpretarse que la calle se convierte en lienzos para artistas urbanos que buscan desafiar las normas establecidas y llevar el arte más allá de los confines de las galerías tradicionales, sin embargo, llevar a artistas urbano a las galerías y museos no es novedad, lo hizo Patti Astor en la Fun Gallery, a principio de los 1980.

La reciente exposición IN&OUT que has curado para la galería del Centro Cultural Chacao, donde has reunido a un nutrido grupo de artistas callejeros en un espacio expositivo, donde estos artistas no solo exponen sino también sostienen encuentros con el público que se acerca a este género. Es entonces que te preguntamos ¿Cuál es el fin de esta tu inusual curaduría y qué diálogo desea establecer?

RR.- Ciertamente no es una novedad la puesta en escena de la exposición in and out, pero creo que es importante llevar el arte urbano a los espacios de reflexión y debate, así como apuesto en cada una de mis exposiciones vuelvan a traer a la mesa de conversación los distintos temas que nos interesan a los artistas plásticos y visuales y al público en general. Creo que deben generarse y mantenerse estos espacios que muestran a nuestros artistas y que exhiben los distintos temas que a estos les interesan mostrar y sobre los que quieren discutir

 

TDB. – Se dice Arte Urbano nace en la década de los 70 y este desde entonces se ha nutrido de las distintas vanguardias artísticas para elaborar su propio lenguaje. En Caracas en la década de los 70 también se practicó Arte Urbano el cual fue perseguido y borrado de la historia de esta ciudad, la exposición IN&OUT además de ser una agradable muestra del emergente talento ¿reivindicara a aquellos artistas que en décadas pasadas provocaron emociones y despertaron conciencia con su arte callejero?

RR.- No sé si reivindicar es la apuesta que hago, pero sí creo que reivindicamos temas, contextos y artistas del pasado al poner sobre la mesa de debate, sobre el escenario ciertas prácticas y ciertos temas en nuestros espacios expositivos. Es como decir: acá está "esto" abro debate... y ese mismo gesto es en sí mismo una reivindicación de todo lo anterior hasta ese momento.

 

TDB. – A quienes estudian museología, suelen decirles que detrás de cada obra encontramos una historia que contar. Así que permítenos acabar esta entrevista preguntando, ¿Qué hay detrás del artista Reymond Romero y que nos puede contar para el futuro?

RR.- Detrás de Reymond Romero hay mucha pasión, amor y dedicación por el trabajo que hago día a día, llámese obra, gestión, curaduría o como quieras llamarle.

Todo lo que practico desde que me levanto y hasta que me acuesto cada noche está relacionado con artes visuales, artes plásticas, con arte, mi vida gira entorno a esto y así vivo.

Todos los días me levanto para hacer una cosa más por las artes visuales y estoy muy agradecido con la vida por permitirme estar en esto, en lo que me gusta y de esta manera, haciendo todos los días a cada minuto de mi vida arte. Para el futuro queda mucho trabajo por hacer, muchoooo… y quiero seguir trabajando y voy a seguir haciéndolo.

 

 

 

Estupendo Rey, muchas gracias estimado amigo, estaremos pendiente de lo que a futuro a bien nos muestres. Te deseamos más y más éxitos.

PichiAvo: mitología, color y caos como reflejo de nuestra cultura urbana posmoderna.

 

Como contamos en algunos de nuestros artículos la Plataforma Taller de Bicicletas nace conceptualmente en la ciudad de Valencia – España, esta urbe mediterránea se ha caracterizado por contar con notables artistas urbanos, de allí provienen artistas como Escif, la tristemente desaparecida Hyuro, Vinz feel free, y el dúo de artistas urbanos llamados PichiAvo. En esta oportunidad les hablaremos de estos valencianos quienes han realizado intervenciones en la ciudad de Valencia, el barrio latino de Paris, Nueva York, Oporto, Suecia o Roma. Desde luego, en Valencia tuvieron el privilegio de realizar un enorme Ninot para la Falla de 2019, asimismo una intervención para marcas de lujo Bulgari.

Pichiavo es la combinación de apodos con los que se les conoce desde niños a los artistas urbanos valencianos Juan Antonio Sánchez (Pichi) y Álvaro Hernández (Avo) conocidos por fusionar figuras del arte clásico las cuales son tramadas con coloridos graffitis que por lo general son tags, letters y bombing característicos de los primeros años del graffitis es por ello que lo clásico se une a lo clásico. Es un estilo propio y reconocible, que está detrás de su éxito. Se trata de una impactante fusión de arte clásico y estética urbana que se superponer figuras de la mitología griega y romana con los graffitis más arcaicos. "La mitología griega y romana les sugerir historias, transmitir un mensaje, provocar sentimientos y hacer reflexionar, el graffiti es una trama que contextualiza y desconstruye la intervención.

PichiAvo tienen el privilegio de haber sido los autores de la falla principal de Valencia en 2019, antes de que la pandemia cancelara las celebraciones. PichiAvo los grafiteros de los mitos clásicos hicieron la falla de la plaza del  Ayuntamiento de Valencia en 2019. El jurado independiente que decide la falla para la Plaza del Ayuntamiento cada año, se decantó este mayo por ellos por unanimidad al valorar la conjunción de “tradición y transgresión” en su proyecto. Su boceto, Procés creatiu, reflexiona sobre el proceso artístico desde una comedia griega. Las fallas son elaboradas por artistas falleros, pero también ha tenido la participación de grandes artistas como la del  pintor surrealista Salvador Dalí en 1954.

También debemos sumarle la intervención en uno de los lugares más míticos de la historia del grafiti, el Bowery Wall, situado en Manhattan (Nueva York). El principal escaparate de arte urbano de Nueva York, donde han pintado gente como Banksy, Shepard Fairy o Kenny Scharf. Pichiavo fueron los primeros europeos en llenar el muro, en junio de 2017.

El éxito de PichiAvo fue la de enmascarar el arte del graffiti con el arte clásico, no otra cosa es el arte posmoderno mezclar la mitología griega y romana con el arte urbano, dos corrientes alejadas por el tiempo con cánones academicistas opuestos a superponerse, desde luego esto es una crítica al concepto de arte en sí mismo. El arte clásico es imponente y por solemne es discutible, la elegancia, sus formas bellas son llevarlas con mucho virtuosismo por este dúo de artistas a un juego de transparencias lleno de color y caos para inscribirlo dentro de nuestra cultura urbana coetánea.

PichiAvo, no solo pintan muros y contenedores como los del Estadio de los Miami Dolphins, sino que al igual que muchos artistas urbanos reconocidos sus obras es un reclamo para galeristas y coleccionista apetecida, por lo tanto, exponen y venden sus creaciones en las mejores galerías del planeta.

Berlín: La ciudad donde el arte urbano no es perseguido.

En este blog de arte urbano hemos escrito artículos sobre el arte urbano de diversas ciudades como Nueva York, Málaga, Brighton, Caracas, París entre otras, pero quedamos en deuda con la ciudad de Berlín pero como nunca es tarde, aquí lo tiene.

La ciudad de Berlín cuenta con cerca de 3. 770. 000 habitantes (2020), por lo que la hace la ciudad más poblada de Alemania y la séptima de Europa, también es reconocida por ser  una de las ciudades europeas más tolerantes y ecléctica del viejo continente, a la vez es la ciudad donde más arte contemporáneo se crea, una ciudad que ha superado aquellos cuando el arte moderno fue considerado Arte degenerado por lo tanto fue prohibido a favor de lo que los nazi llamaban el "Arte heroico". En Berlín ser artista es una profesión reconocida y respetada y es por ellos que la creatividad se respira en cada esquina, el expresionismo tuvo su denominación de origen en esta ciudad que inspiraría a artistas berlineses como George Grosz, Wols, Lucían Freud, al fotógrafo Hetmut Newton o al fundador de la Bauhaus Walter Gropius entre muchos otros, ahora son los muros de esta ciudad los que inspiran y llaman a la ciudadanía berlinesa formar parte del arte urbano.

Al finalizar la guerra en 1945 esta ciudad fue dividida en cuatro sectores, polarizando la ciudad en dos sectores el Este (capitalista) y el Oeste (comunista). El 13 de agosto de 1961, la frontera del sector soviético hacia Berlín Oeste se levantó el muro que sería nominadas como barreras temporales para evitar la diáspora venida de los país bajo el control soviético de esta manera se partía la ciudad en dos. El muro cayó en 1989 y Berlín (como toda Alemania) se reunificó, pero se mantuvo un tramo de 1.300 metros, el mayor sector en pie, que permanece como un gigantesco mural realizado por 118 artistas de 21 países que han dejado sus obras convirtiéndose esta sección del muro como la Galería de lado Este y uno de los principales reclamos turístico de la ciudad.

Muchas publicaciones dedicadas al arte urbano señalan a Nueva York de mediado de los años 70 como la ciudad donde se revela el arte callejero como una indetenible tendencia artística, pero también sabemos que los parisinos reivindican que ha mediado de los años 60 se hacían graffitis en el Metro, también es cierto que para ese entonces en Berlín también se creaban murales de gran formato como vehículos para la protesta política y la creatividad social mientras que del lado oriental el muro servía de lienzo para una generación de artistas que soñaban con la libertad.

Este muro se convirtió en el primer museo del graffiti, entre las creaciones más famosas encontramos el ‘Beso fraternal’ de Dimitrji Vrubel, el Trabant de Birgit Kinders mural donde el coche más popular de la República Democrática Alemana que rompe el muro y las‘cabezas coloridas’ de Thierry Noir, un pionero del arte urbano que comenzó a crear primeros murales del Muro de Berlín, con sus amigos Christophe-Emmanuel Bouchet y Kiddy Citny en 1984.

Entre los monumentos berlineses de aquellos aciagos años del telón de acero encontramos a Teufelsberg en Grunewald que traducido al español significa “Montaña del Diablo”, este lugar es uno de los lugares más intrigantes de Berlín al ser una estación de escucha estadounidense durante la Guerra Fría que se ha convertido junto a su enorme radares de escucha en forma de redomos en un destino turístico desde donde observar la ciudad, asimismo es un lugar de referencia del arte urbano, lo que mantiene a Berlín entre las ciudades más fascinantes del arte urbano.

En la capital germana encontramos muchos más puntos donde convergen el arte urbano, a menudo estas intervenciones son observadas como un gran ruido multicolor. Lo que está claro, es que el arte en Berlín no está circunscrito a la isla de los museos. Son tantos los sitios intervenidos por los artistas que suelen ser sugeridos por la guía turísticas de la ciudad donde indican donde se encuentran los murales y los graffitis en paredes de fábricas, puentes y hasta el primer museo dedicado al arte urbano.

En la ciudad de Berlín encontramos al Museo de Arte Contemporáneo Urban Nation,. suena paradójico que un arte hecho para la calle tenga un espacio intramuros donde los artistas urbanos puedan crear sus obras.

Otro de estos sitios donde el arte urbano se hace notar notablemente es el Gleisdreieck Park, donde se encuentra un skatepark que tiene varios tramos para dibujar y pintar ‘legalmente’ o con el aval del ayuntamiento: solo se autorizan ‘tags’, es decir, dibujos con letras, esto le permite a los artistas más noveles formar parte también del universo del arte urbano  Asimismo, la calle Bülowstraße en el barrio de Schöneberg se extiende como un museo al aire libre.

La plaza Moritz o Moritzplatz suele ser sede de diversos encuentros y festivales de arte urbano, en que se crean obras de gran formato que son admiradas en persona y redes sociales. Entre estos eventos se encuentran el Backjumps y el festival One Wall, que han dejado obras como Astronaut|Cosmonaut de Victor Ash, Mi hogar no es un Castillo de Herakut y el retrato de la activista brasileña Marielle Franco de Katerina Voronina, realizado junto con Amnistía Internacional. En otra plaza como la plaza circular de Mehringplatz, en el barrio de Friedrichstadt, está tapizada por varias obras creadas en el proyecto One Wall de 2018, impulsado por el Urban Nation, entre las obras destacan el Haz el arte y no la guerra de Shepard Fairey y el elefante multicolor de Jadore Tong en Wilhelmstraße.                          

Friedrichstadt es uno de los barrios más famosos por su ambiente alternativo, insurrecto por ser la meca del movimiento punk alemán en los ’70 tardíos, encontrarán murales como la inquietante Naturaleza muerta de ROA o el hermoso Dama con pájaro de Tank. En barrio Oberbaumbrücke que conecta a Friedrichshain se han rodado películas como Corre Lola corre o El caso Bourne. Allí podemos encontrar murales como el Hombre amarillo de Os gemeos, el Hombre rosa de BLU y las Cabezas circulares de Nomad. El barrio con el antiguo sector de Berlín Este, se ha usado como set para varias películas. El barrio Holzmarkt este barrio que tiende cada vez más a la subcultura hipters, ha evitado que las grandes cadenas y las tiendas de franquicias conquistaran sus calles. Cuenta con varias antiguas fábricas y bloques de viviendas se convirtieron en espacios creativos, decorados con interesantes muestras de arte urbano. Entre otras, destacan las coloridas flechas circulares de Klebebande y los objetos escondidos de Wenu, que están a 15 minutos de la Galería del Este, donde comenzó este recorrido por el arte urbano de Berlín.

Los antiguos hangares y talleres ferroviarios llamado RAW-Gelände por antonomasia se ha convertido en el espacio de la cultura urbana alternativa, por lo tanto, es usual los encuentros entre artistas urbanos que se despliegan bajo una organización cooperativa con la cual se lleva este espacio donde encontramos un sin fin de grafittis que se solapan unos a otros también hay puestos de comida, bares alternativos, discotecas y un mercadillo de fin de semana donde encuentras cosas vintage y pinturas de artistas y diseñadores emergente,este mercadillo es amenizado con muestras de hip-hop y competencias de rimas, donde el telón de fondo son murales como el Cassiopea de Rolf Le Rolfe o el de Hochbunker de Lake.

Para finalizar este articulo, esta ciudad donde el arte urbano no es perseguido o considerado ilegal, como anécdota el artista venezolano FLIX nos comentaría que realizo una intervención en Berlin con el temor de ser detenido o ser multado por la policía y por el contrario los transeúntes les sonrieron y se tomaron fotos.Hablando de sonrisas debemos destacar también la aparición hace un par de años de la sonrisa más reconocida de la historia del arte plasmada en la pared de una edificio con un tamaño de 16 metros por un colectivo de artistas callejeros que se hacen llamar Die Dixons quienes realizaron una réplica mural de una de las obras más emblemáticas de Leonardo Da Vinci "La Gioconda" (también conocida como La Mona Lisa) hace sonreír el disfrute de la población berlinesa por el arte urbano..

Shoefiti

Arte público / hazte urbano. 

 El shoefiti es una forma de expresión de arte urbano que apareció sin más en algunas ciudades. Desde hace tiempo, no resulta excepcional mirar hacia el tendido eléctrico y observar como cuelgan zapatos, zapatillas y todo tipo de calzado atados entre sí por los cordones sin razón alguna. 

Esta práctica de colgar las zapatillas deportivas a los cables de la luz, paso a conocerse como shoefiti, un juego de palabras que mezcla 'shoe' (zapato en inglés) y grafiti. .Muchas fuentes indican que este movimiento tiene su origen en Estados Unidos en los años 60 o 70. 

Al ver las zapatillas en lo alto, muchas personas piensan que se trata de una especie de código, el cual significa que en ese lugar se trafica con drogas. no obstante, la leyenda urbana suele ser generosa en torno a las 'zapatillas voladoras' se dice que sirve a las bandas para marcar de quién es el territorio, por lo tanto las bandas callejeras marcan fronteras y saben hasta dónde se extiende sus dominios gracias a la colocación de estos zapatos. Se dice que las zapatillas colgadas en el tendido eléctrico en barrios europeos pueden significar que hay una casa abandonada para ser ocupada lo que serviría para notificar a otros okupas. Aunque también encontramos otras explicaciones según el país donde nos encontremos, por ejemplo, el dicho "fulano colgó los tenis" encuentra en el shoefiti significado cuando un grupo de jóvenes lanzan las zapatillas deportivas de un colega al tendido eléctrico en plena calle como distinción a su dueño fallecido, sería un homenaje hacia esa persona. Igualmente, el Shoefiti se considera como una demostración de inconformismo social de los barrios más humildes. 

 En 2003, el ayuntamiento de Los Ángeles mandó a retirar todas las zapatillas colgadas en los tendidos eléctricos, debido a que estos indicaban sitios de venta de droga, obviando a propósito que el shoefiti también es una muestra inconformismo social en las barriadas más segregadas, como en aquellos barrios que son víctima de la gentrificación urbana.

La expresión urbana de shoefiti fue la excusa de la plataforma Taller de Bicicletas para lanzar su proyecto "Urbanitas" dirigido contra de la violencia urbana desbordada fruto de la escasa seguridad policial y la violencia política en la ciudad de Caracas."Urbanitas"fue realizado en el 2010 por   alumnos de diseño de la Universidad Vargas quienes cogieron sus zapatos viejos y le dieron una nueva vida al convertirlos en levitantes piezas de arte, esta iniciativa fue apoyada por otras universidades y escuelas de diseños, así como también contó la presencia de varios artistas plásticos que espontáneamente se sumaron a esta instalación hecha con zapatos intervenidos. 

Taller de Bicicletas tomó en cuenta el antecedente de la ciudad de Los Ángeles para darle un carácter artivismo a la propuesta "Urbanitas" para  de esta manera llevarla por los linderos del arte social urbano, el ayuntamiento del Municipio Sucre otorgó los permisos pertinentes para la intervención temporal de la plaza Miranda situada al este de la ciudad fuera realizada, de esta manera se realizo el primer evento de Shoefiti artístico y colectivo que le daría paso a la propuesta "Arte público / hazte urbano" que seria el leit motiv de Taller de Bicicletas y de su coordinador Douglas Garcia R.

El investigador, ilustrador y muralista Javier Parra concluye un mural ideado por Josep Renau en los 60

 

En esta ocasión este blog se hace eco de una noticias extraída del diario Levante de la ciudad de Valencia  fechada  20·12·21, en la misma, nos indica que el ilustrador y muralista Javier Parra concluyó este fin de semana la realización de un mural diseñado en 1969 por el pintor y cartelista modernista Josep Renau Berenguer durante su exilio en Berlín dedicado a la clase trabajadora, pero que éste nunca llegó a poder ejecutar.

El mural, pintado sobre 15 tableros de madera, y proyectado para estar en un espacio interior, tiene un tamaño de 7 metros de altura y 4,5 metros de ancho, y ha sido realizado en Valencia por el  investigador, ilustrador y muralista Javier Parra durante los últimos dos años según el proyecto original del artista valenciano.

Josep Renau (Valencia, 1907 - Berlín Oriental, 1982), quien durante su exilio mexicano realizó numerosos carteles para películas y obras murales de todo tipo influenciado o en colaboración con muralista como Siqueiros y Diego Rivera en su exilio alemán que data de 1958 hasta su fallecimiento en el Berlín Oriental en 1982.

 El 5 de febrero de 1969, durante su exilio en la RDA, recibe el encargo de desarrollar un mural dedicado al papel de la clase trabajadora en la era de la Revolución Científico-Técnica, que sería instalado en el vestíbulo de entrada de las Salas de Exposiciones de un complejo educativo al este de Berlín. En abril comienza a desarrollar el trabajo y los distintos bocetos, donde representa la figura central de un trabajador como dominador de las fuerzas de la naturaleza y la energía, y como planificador y ejecutor del trabajo productivo, reflejando la clase obrera del futuro.

En junio de ese año se informa al artista que el mural no ha sido aceptado por el comisario estatal. La razón esgrimida para la no aceptación es que Renau había representado solamente una figura, en lugar de representar un grupo de personas, lo cual se consideró que no representaba al conjunto de la clase trabajadora. Años más tarde, en 1974, las autoridades de la RDA invitaron a Renau a desarrollar un mural para el vestíbulo del Palacio de la República en Berlín. Renau vuelve a presentar el mismo proyecto que en 1969 no había podido realizarse, aunque el proyecto también se frustra.

Mural de Renau en la RDA.

51 años después, en 2020, a partir de una investigación teórica sobre el mural realizada por Javier Parra retomó en Valencia el proyecto original a partir de la documentación existente y del último boceto elaborado por Renau. El 11 de enero de ese año comienzo a desarrollar el mural según las especificaciones y características originales. 

El mural, pintado sobre 15 tableros de madera, y proyectado para estar en un espacio interior, tiene un tamaño de 7 metros de altura y 4,5 metros de ancho, y ha sido realizado en Valencia por el  investigador, ilustrador y muralista Javier Parra durante los últimos dos años según el proyecto original del artista valenciano.

A finales de 2021, el 18 de diciembre de 2021, concluyó finalmente la ejecución del mural. Sin embargo, el mural aún no tiene espacio donde ubicarse. El artífice de la obra, Javier Parra, considera que lo idóneo sería que el mural pudiese quedarse en la ciudad natal de Josep Renau. “Antes de valorar otras posibles opciones en primer lugar me dispongo a presentar el trabajo realizado a las instituciones públicas valencianas con el objetivo de intentar hacer posible la instalación de dicho mural en algún espacio público de la ciudad de Valencia, la ciudad del artista”.

Fuente: Diario La provincia, 20•12•21

FLIX, le tiende un puente al arte venezolano en la zona portuaria en Lisboa

 

El nombre de Alcántara viene del árabe Al-Qantara y significa puente, El barrio Alcántara es un barrio de la ciudad Lisboa que está ubicado cerca del río Tajo, en el extremo norte del Puente 25 de Abril, que es el puente más antiguo de Lisboa construido como una réplica del Golden Gate de la ciudad de San Francisco. El barrio de Alcántara, antiguamente un próspero puerto en el río Tajo, en los últimos años se ha convertido en un concurrido centro de vida nocturna y sus antiguas fábricas son ahora ostentosos condominios. La gentrificación de esa zona la llevado a ser una de las oferta más bellas, prosperas y segura de Lisboa, lo que le ha permitido ampliar su turismo y competir en ocio y cultura con otras ciudades que han hecho lo mismo con sus barrios antiguos como Nueva York, Miami o Barcelona. Desde luego, tenemos claro que la gentrificación es un "negocio" muy lucrativo, que perjudica a las personas que en ellos residen para favorecer a una ciudad, al menos eso se dice. Lo cierto, es que las multitudes modernas de la ciudad se reúnen en los restaurantes y clubes frente al mar, en los almacenes restaurados de los muelles de Santo Amaro. Allí, bares de moda, boutiques y espacios de arte ocupan el vasto espacio Lx Factory. El Museo de Oriente exhibe arte asiático y portugués, la librería Le Devagar y el Museo Carris tiene tranvías antiguos.

Como se dice al principio del articulo, la palabra Alcántara viene del árabe Al-Qantara que significa puente, y es eso lo que hizo nuestro buen amigo y artista FLIX, tenderle un puente al arte urbano venezolano en la zona portuaria en Lisboa, 

La intervención de FLIX, está realizada en el piso de un sector del estacionamiento que es usado como una suerte de cancha deportiva de uso múltiples, la intervención básicamente, es una interpretación de su trabajo geométrico con los elementos de la simbología náutica y el mar. El diseño según nos dijo este artista está encriptado el nombre Alcántara con el abecedario de las banderas náuticas. También hace uso de la proyección de las figuras geométricas para darle tridimensionalidad y aprovecha los círculos de las demarcaciones para incorporar los salvavidas, en el extremo derecho, lo utiliza como la cabeza de un hombre nadando y la última bandera (cuadrado rojo con cruz amarilla) la estira de manera que las líneas de la cruz sugiera un mástil que a su vez sostiene la última bandera, también la modifica un poco para sugerir la proa de un barco.

Sin dudas, FLIX les es familiar al arte urbano que se desarrolla, en particular en Portugal y en general en Europa, donde se le conoce y aprecian los coloridos murales abstracto geométricos de este artista. No vacilamos en afirmar que FLIX como artista ha alcanzado notoriedad dentro arte urbano de la ciudad de Lisboa y ciudades en el norte de España, las cuales ya ha cuenta con varias intervenciones de este artista nacido en Caracas.

Lo cierto es, que esta hermosa y creativa intervención no solo le otorga color sino que también ilumina el espacio urbano de la zona portuaria del rio tajo en la ciudad de Lisboa.

Un sentido agradecimiento a buen amigo FLIX, quien nos hizo llegar las imágenes y nos cedió la información de esta intervención.